German Theater and Performance Research

“Brecht Post-2020”

The year 2020 has not only seen a global pandemic but also an intensification of major geopolitical issues and transnational problems. COVID-19 caused a world-wide recession; subjected the institutional frameworks and support systems of many countries to a stress test (with regard to public health, social security, education, media, and democratic governance); increased racial, gender, class, and generational inequalities as well as political polarization; accelerated a shift to remote learning, home offices, and live streaming performances; and primarily benefited online entrepreneurs and not the essential workers keeping society afloat. On the one hand, many countries spontaneously reacted to the challenges of COVID-19 by retreating into nationalism instead of coordinating their responses with other countries. On the other hand, exacerbated by the social disparities laid bare by the pandemic, the police execution of George Floyd in Minneapolis triggered the largest international anti-racist protests since the 1960s. COVID-19, in conjunction with other major natural disasters, also reinforced the public perception of a highly fragile ecological environment.

For the Brecht-Jahrbuch/Brecht Yearbook 47, we are looking for articles that address how Brecht’s work cannot only help us make sense of these times but also provide ideas for creating a livable, sustainable, and socially just future. What can Brecht’s plays on fascism (The Resistible Rise of Arturo Ui, Fear and Misery of the Third Reich) tell us about the “autocratic attempts” (Masha Gessen) of our time? How can Brecht’s understanding of his own writings and theater productions as almost scientific Versuche (“experiments”) inform our response to the rejection of science, reason, facts, and expertise by an increasing number of people in recent years? How can we resist a surveillance capitalism (Shoshana Zuboff) that allows lies to travel faster than facts? And how can we use Brecht’s “radio theory” of the early 1930s to reconceive the internet as a social commons not owned by a few entrepreneurs who have reduced it to profit-generating clickbait and the exploitation and manipulation of personal data? Live theater with actors and spectators in the same space is usually considered preferable to online performances, but is this also true for Brecht’s “learning plays” (Lehrstücke), given the interactive potential of a platform like Zoom? What will be the future not only of publicly or privately financed, metropolitan or regional theater companies but also of independent theatre projects – during and following the pandemic? Will we see the emergence of “small, agile forms of struggle” (Brecht) in theatre – live, online, or hybrid? What are we to make of the concept of Verfremdung in this new communal and theatrical context that is marked by social distancing and mask-wearing? How does Brecht’s dramatization of a plague-haunted society (Life of Galileo) relate to our current experience with COVID-19? How can we develop a critical and interventionist “art of spectating” (Brecht) to counter the tendency of the Society of the Spectacle (Guy Debord) to perceive the ongoing social and ecological crises as “big drama” rather than a call to action? And finally: How can we engage Brecht’s work in the attempt to create a diverse, inclusive, and anti-racist theater in which BIPOC are equally represented – but what are also major limitations with regard to staging Brecht in this context?

SCHEDULE:

Proposals: June 30, 2021

First Drafts: October 30, 2021

Final Submissions: January 31, 2022

Publication Date: November 2022

SUBMISSION GUIDELINES:

• Please submit your proposal as an email attachment.
• Your proposal should be a Word document of no more than 350 words.
• Your proposal should present original, unpublished work not under consideration for publication elsewhere.
• If your proposal is accepted, you will be invited to submit a first draft of your article by the deadline indicated above.
• Your article should follow the “Manuscript Preparation Guidelines” or the “Anleitung zur Gestaltung von deutschsprachigen Manuskripten” for the Brecht-Jahrbuch/Brecht Yearbook.

CONTACT:

All proposals, submissions and general inquiries should be sent directly to the managing editor of the Brecht-Jahrbuch/Brecht Yearbook, Markus Wessendorf (wessendo@hawaii.edu).

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Aufruf für Beiträge für das Brecht-Jahrbuch/Brecht Yearbook 47 (2022)

“Brecht nach 2020”

Das Jahr 2020 zeichnete sich nicht nur durch eine globale Pandemie aus, sondern auch durch die Intensivierung geopolitischer Fragen und transnationaler Probleme. Der Coronavirus hat eine weltweite Rezession ausgelöst; institutionelle Rahmenwerke und Stützungssysteme einem Stresstest unterworfen (im Hinblick auf öffentliche Gesundheit, soziale Absicherung, Bildung, Medien und demokratische Staatsführung); die Ungleichheit zwischen Rassen, Geschlechtern, Klassen und Generationen sowie die politische Polarisierung verstärkt; den Übergang zu Fernunterricht, Home Office und Live-Übertragungen von Theateraufführungen im Internet beschleunigt; und in erster Linie Online-Unternehmer und nicht die für den Erhalt unserer Gesellschaft unentbehrlichen Arbeitskräfte begünstigt. Einerseits haben viele Länder auf die Herausforderungen des Coronavirus spontan mit einem Rückzug in nationalistische Verhaltensweisen reagiert, anstatt mit anderen Ländern eine gemeinsame Reaktion zu koordinieren. Andererseits, und zudem verschärft durch die durch die Pandemie bloßgelegten gesellschaftlichen Missverhältnisse, hat die öffentliche Hinrichtung George Floyds durch die Polizei in Minneapolis die größten internationalen, antirassistischen Proteste seit den 1960er Jahren ausgelöst. Der Coronavirus hat zudem, zusammen mit anderen zeitgleichen Naturkatastrophen, die öffentliche Wahrnehmung einer extrem gefährdeten, ökologischen Umwelt verstärkt.

Für das Brecht-Jahrbuch/Brecht Yearbook 47 suchen wir nach Beiträgen, die sich damit befassen, wie Brechts Werke nicht nur Ansätze für ein besseres Verständnis unserer Gegenwart liefern können, sondern auch Anregungen geben für die Schaffung einer lebenswerten, nachhaltigen und sozial gerechten Zukunft. Was können wir von Brechts Stücken über den Faschismus (Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui, Furcht und Elend des Dritten Reiches) über “autokratische Vorstöße” (Masha Gessen) in unserer Gegenwart lernen? Wie kann Brechts Verständnis seiner eigenen Schriften und Theaterinszenierungen als fast wissenschaftliche “Versuche” uns dabei helfen, auf die zunehmende gesellschaftliche Akzeptanz einer feindlichen Haltung gegenüber Wissenschaft, Vernunft, faktischer Realität und Sachkompetenz zu reagieren? Wie können wir uns einem Überwachungskapitalismus (Shoshana Zuboff) widersetzen, der es zulässt, dass Lügen sich schneller verbreiten als Fakten? Und wie können wir Brechts Radiotheorie der 1930er Jahre dazu verwenden, um das Internet als soziales Gemeingut neu zu konzipieren, das nicht den wenigen Unternehmern gehört, die es auf gewinnbringenden Klickfang und die Verwertung und Manipulation persönlicher Daten reduziert haben. Live-Theater mit Schauspielern und Zuschauern im selben Raum wird in der Regel Online-Aufführungen vorgezogen, aber muss dies auch für Brechts Lehrstücke gelten, wenn man einmal das interaktive Potential einer Anwendung wie Zoom in Erwägung zieht? Wie sollen wir uns die Zukunft nicht nur von öffentlich oder privat finanzierten, städtischen oder regionalen Theatern, sondern auch von unabhängigen Theaterprojekten vorstellen – während und nach der Pandemie? Werden wir die Entstehung “kleiner, wendiger Kampfformen” (Brecht) sehen – live, online, oder gemischt? Was können wir in diesem neuen gemeinschaftlichen und theatralen Kontext, der sich durch soziale Distanz und das Tragen von Masken auszeichnet, mit dem Konzept der Verfremdung anfangen? Wie lässt sich Brechts Dramatisierung einer von der Pest heimgesuchten Gesellschaft (Leben des Galilei) zu unserer gegenwärtigen Erfahrung mit dem Coronavirus in Beziehung setzen? Wie können wir, im Sinne Brechts, eine kritische und interventionistische Zuschaukunst entwickeln, die der Tendenz der Gesellschaft des Spektakels (Guy Debord) entgegenarbeitet, die gesellschaftlichen und ökologischen Krisen als “großes Drama” anstatt als Aufruf zum Handeln wahrzunehmen? Und schließlich: Wie können wir Brechts Werk bei dem Versuch, ein antirassistisches Theater der Vielfalt und Integration zu schaffen, in dem BIPoC (Black, Indigenous, and People of Color) gleichberechtigt vertreten sind, in Anspruch nehmen – aber was sind zugleich wesentliche Einschränkungen im Hinblick auf Inszenierungen Brechts in diesem Kontext?

Einreichtermine:

Themenvorschläge: 30. Juni, 2021

Erste Entwürfe: 30. Oktober, 2021

Fertige Beiträge: 31. Januar, 2022

Voraussichtliche Veröffentlichung: November 2022

RICHTLINIEN FÜR DIE EINREICHUNG VON BEITRÄGEN:

• Bitte reichen Sie Ihren Themenvorschlag als Emailanhang ein.
• Ihr Themenvorschlag sollte ein Word-Dokument von nicht mehr als 350 Wörtern sein.
• Ihr Themenvorschlag sollte unveröffentlichtes Originalmaterial präsentieren, das Sie nicht bereits an anderer Stelle zur Veröffentlichung eingereicht haben.
• Wird Ihr Themenvorschlag angenommen, werden Sie gebeten, eine erste Entwurfsfassung Ihres Beitrags zum oben genannten Termin einzureichen.
• Ihr Beitrag sollte den “Manuscript Preparation Guidelines” oder der “Anleitung zur Gestaltung von deutschsprachigen Manuskripten” für das Brecht-Jahrbuch/Brecht Yearbook folgen.

KONTAKT:

Bitte senden Sie alle Themenvorschläge, Beiträge und generellen Anfragen direkt an den Herausgeber des Brecht-Jahrbuches/Brecht Yearbook, Markus Wessendorf (wessendo@hawaii.edu).

The physical role of the body on stage holds equal fascination for dance and theatre scholars and practitioners.  

On one hand, particular genres such as commedia dell’arte and poor theatre have emphasized the agility, dexterity, kinesthetic equipage, rhetorical gestures, and raw physicality of players.  In actor training, Stella Adler famously commanded actors to “physicalize” in order to develop the sense of a character in a scene at a moment in time.    

On the other hand, the historic development of ballet tells a story of transition from court to theater, with the elements of theatre–including drama, design, voice, and spoken texts–often assuming surprising proportions.  In various periods and places throughout the world the theatrical roots of dance and the dancelike ritual roots of theatre have intermingled in productive ways.     

We invite contributions addressing how performers, directors, choreographers, and designers have explored the immediacy of the body and the power of presence in movement arts and intermedial performance. Articles may address, but need not be limited to, such subjects as:

1. How have various forms of physical theatre, including commedia dell’arte, pantomime, and circus, merged elements of dance and theatre to produce innovative intermedial genres and artists:  Mummenschanz, Cirque de Soleil, Michael Motion, Complicite, etc.? 
2. In what ways do forms of Asian and African dance drama exhibit rich dimensions of dance and dancelike movement:  Noh (theatre of ghosts), Kabuki, Kathakali, etc.? 
3. How have puppet theatre practices and the construct of the puppet reflected and refracted human movement in the West and the East? 
4. How have robot, cyborg (half-human, half-machine), and weapons of war affected movement arts or practices on screen and digital media?  
5. How practices in theatre intersected with dance or dancelike phenomena: Stanislavsky technique, Meyerhold’s biomechanics, Jerzy Grotowski’s poor theatre, etc.?
6. How have hybrid forms of dance/theatre evolved in the 20th and 21st centuries: dance plays, Tanztheater, etc.?
7. How have particular choreographers and genres of dance displayed strong linkages with theatre in contrast to approaches emphasizing dance for dance’s sake: e.g., Antony Tudor, Martha Graham, opera-into-ballet, performance art, ballet d’action, etc.? 
8. How have dance and theatre practices intersected in the American musical theatre to blur the lines between high art and popular forms: Hamilton, Spring Awakening, etc.?

All manuscripts will receive double-anonymous peer review.  Submissions will be accepted at any time before August 15, 2020.  Please submit manuscripts through the Taylor & Francis Submission Portal.

Workshop for doctoral candidates and post-docs /assistant professors
25-26 June 2020 at the Literaturforum im Brecht-Haus, Berlin
(language of presentation German or English)

For more information: https://lfbrecht.de/cfp-baustelle-brecht-iii-working-with-brecht-iii/

Proposals due March 15

Organizers
Matthias Rothe, University of Minnesota, Twin Cities [mrothe@umn.ed]
Christian Hippe, Literaturforum im Brecht-Haus, Berlin [hippe@lfbrecht.de]

GSA 2020 Seminar Performance & Politics (applications due Jan 27)
German Studies Association Annual Conference
October 1-4, 2020 in Washington, D.C. (Crystal City)

Seminar Conveners
K. Scott Baker, Associate Professor of German, University of Missouri-Kansas City
Sunka Simon, Professor of German, Film and Media Studies, Swarthmore College

Please consider proposing papers to the 2020 GSA seminar on Performance and Politics! Our CFP/Seminar description is listed below, and proposals must be submitted through the GSA portal by January 27: https://thegsa.org/blog/cfa-gsa-seminar-participation-applications

Please contact Scott and/or Sunka with any questions!
K. Scott Baker: bakerks@umkc.edu
Sunka Simon: ssimon1@swarthmore.edu

Seminar Description
This seminar will investigate the myriad intertwining of political activities and discourses in their historical contexts with acts of performance. Topics of investigation include not only the re-production of the political in artistic performances and medial representations, but also the performative as a constitutive act of political life. Performative acts thus need not be intentional or structured as such, but rather allow themselves to be interpreted as performances using a broad array of theories regarding actors, audiences, stagings, media, technologies, discursivity and materiality. Discussions will build on short position papers from each participant addressing the seminar topic through a specific “instance of performance.” These “instances” may be drawn from any German-language text, artefact or activity that the participant construes and articulates in the context of performance, and include theoretical approaches to performing the political. We seek proposals from a broad range of disciplines and perspectives, and encourage proposals from participants at all career stages, from graduate students to senior faculty.

Seminar Format: Seminar participants will be asked to submit a 5-7 page paper and a one-page abstract on their “instance of performance” three weeks prior to the conference. The conveners will organize the papers into three thematic clusters and circulate them in advance of the sessions to serve as the basis for discussion.

Goals and Procedures: This seminar hopes to expand on the interdisciplinary synergies created in the 2019 Performance seminar which brought together active research projects from graduate students, junior and senior faculty in Theater, German Studies, Film and Media Studies, Gender Studies, Literature and History. With the explicit shift to Politics, we envision 2020 participants from the Social Sciences and Humanities to tackle the myriad ways popular and political cultures are interconnected by performance and performative acts. Arguably, the role of performance of/on social media on the global stage is the key to understanding the rise of populism. Bringing together ongoing and new interdisciplinary forays into performance research will make this type of scholarly exchange more meaningful and more sustainable than a one-off event. We are aiming at a publication of selected essays in a special issue of, for example, German Politics and Society.

Werkstattgespräch der Internationalen Heiner Müller Gesellschaft am 10./11. September 2019 im Literaturforum im Brechthaus Berlin

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Es mehren sich die Indizien, dass die Klassengesellschaft im künstlerischen und akademischen Diskurs zu erneuter Aktualität gelangt. Hintergrund der Debatten und Auseinandersetzungen mit ihr sind die gesellschaftlichen Entwicklungen, die zuvor geltende sozialstaatliche Kompromisse zumal im globalen Kontext immer stärker zermuürben und angreifen. Vor diesem Hintergrund scheint das sozialistische Telos einer klassenlosen Gesellschaft fast schon wie ein mythisches Idyll zu verblassen. Um dem zu begegnen wird zunehmend intensiv ›Klassismus‹ – Ausgrenzung und Diskriminierung aufgrund der Klassenzugehörigkeit – neben andere Diskriminierungsformen wie Rassismus und Sexismus gestellt. Doch droht dabei zum einen die Gefahr, dass die verschieden Diskriminierungen miteinander konkurrieren, und zum anderen aus dem Blick zu geraten, dass in der sozialistischen Theorie ›Klasse‹ weit umfassender und durchdringender gedacht wurde, als dies einige linke Theoretiker aktuell tun. Kann die Beschäftigung mit Heiner Müllers Werk zu diesen Auseinandersetzungen und Konflikten etwas beitragen? Lassen sich gar Lösungsansätze zu einigen aktuellen Problemlagen aus seinen Texten fördern? Das sind die Fragen des von der Internationalen Heiner-Müller-Gesellschaft veranstalteten Werkstattgesprächs im Literaturforum im Brecht-Haus Berlin. Jenseits der Müller-Idolatrie, die Teile des Theater- und Wissenschaftsbetrieb beherrscht, möchten wir mit Müllers Texten in einer historischen Konstellation ins Gespräch kommen, die sich inzwischen deutlich von der politischen Situation unterscheidet, in der Müller schrieb. Kann ein Drama wie Der Auftrag – Erinnerung an eine Revolution, dem als Thema die Beseitigung von Klassengegensätzen als sein zentrales Thema eingeschrieben ist (»solange es Herren und Sklaven gibt, sind wir aus unserm Auftrag nicht entlassen«), dabei hilfreich sein? Derartige Fragen rufen jedoch eine sie ergänzende Problematik auf: Müller hat den kollektiven, ökologischen Selbstzerstörungsmechanismus und drohenden Gattungssuizid wohl hellsichtiger registriert als die meisten seiner – sowie unserer – Zeitgenossen. Die seinem Werk zugrundeliegende Provokation besteht nicht darin, dass er das ökonomistische Credo der Marx-Orthodoxie kritisiert hat, sondern darin, dass ihm der Fortschritt selbst im Laufe seiner Werkgeschichte suspekt wurde. Die These für das Werkstattgespräch ist, dass Müllers Werk eine systemübergreifende Perspektive eigen ist, die den Fortschritt als ein gemeinsames Paradigma der Glaubenslehren von
Marxismus und freier Marktwirtschaft kritisiert. Einzuräumen ist freilich, dass für Müller eine Lösung dieses Konflikts nur als evolutionärer Neustart denkbar ist. Metaphernfelder wie die Einheit von Mensch und Maschine, dem Krebs, in dem der Homunculus des Neuen Menschen seine erste Erscheinung hat, dem Krieg der Landschaften, der Produktivkraft Tod oder »weißes Schweigen« liefern das Bildinventar, in das sich sein Möglichkeitssinn für einen anderen Zustand zurückgezogen hat. Diese Metaphernfelder werden im Werkstattgespräch im Hinblick sowohl auf ihre politischen als auch ihre künstlerischen Potentiale zu befragen sein.

Mit diesen ersten Anregungen laden wir alle KünstlerInnen, WissenschaftlerInnen und durch andere Zusammenhänge an den formulierten Fragen Interessierten ein, sich mit Vorschlägen für Beiträge für das Werkstattgespräch bei uns zu bewerben. Die
Arbeitsformate sind nicht festgelegt und können neben konventionellen Vorträgen beispielsweise Gespräche über künstlerische Arbeiten oder Seminardiskussionen sein.

Das Werkstattgespräch wird am 10. und 11. September 2019 je nachmittags im Literaturforum im Brecht-Haus, Berlin, stattfinden und am 11. September abends mit einer Podiumsdiskussion abgeschlossen.

Beitragsvorschläge können ab sofort bis zum 15.3.2019 eingereicht werden bei: strehlow@ihmg.de

Fahrtkosten und Unterbringung in Berlin werden übernommen, für Freiberufler bemühen wir uns aktuell ergänzend um Möglichkeiten der Honorierung des Beitrags. Konzipiert und vor Ort realisiert für die IHMG wird das Werkstattgespräch von Kai Bremer (Kai.Bremer@uni-osnabrueck.de), Wolfram Ette (Wolfram.Ette@lrz.unimuenchen.de) und Falk Strehlow (strehlow@ihmg.de). Inhaltliche und organisatorische Rückfragen beantworten alle drei gerne.

The International Brecht Society invites papers for a panel at the annual Conference of the German Studies Association in Portland (Oregon) from 3-6 October 2019. Throughout his career Brecht’s interest in the role of art and politics in shaping the public sphere sustained his experimental theatrical practice, the theory of epic theater, and his forays into other media, but it also informed his practice as a poet and his presence as a public figure. This panel will focus on Brecht’s interventions into and theorizations of the public sphere.

Topics might include, but are not limited to:
> Brecht’s publishing efforts (e.g., the Versuche series, his work on the exile journals Das Wort and Internationale Literatur, his relationships to his postwar publishers, Suhrkamp in the West and Aufbau in the East);
> Brecht’s work in the media (e.g., Hörspiele, radio and newspaper interviews, the radio studio he installed at the Berliner Ensemble, his open letters in the 1950s);
> Brecht’s work on media (e.g., his radio theory, the Lehrstück and his theorizations of the theater as a public sphere, the Threepenny Lawsuit, the photo-epigrams of the War Primer, or his interactions with the film industry in the Weimar Republic, Hollywood, and the GDR);
> Brecht’s contribution to the public sphere of the early GDR through the Berliner Ensemble and his leadership role in the Akademie der Künste;
> And finally, Brecht’s stylized self-image as conveyed especially in poems.

Please send 250-word abstracts to Marc Silberman (mdsilber@wisc.edu) and Hunter Bivens (abivens@ucsc.edu) by 26 January 2019. Submissions are welcome from any discipline. Papers may be presented in either German or English.

Participants in the GSA annual conference must become GSA members at the latest by Feb. 15, 2019, and they must cover their own conference fee, travel, and hotel costs. For details on the GSA: https://www.thegsa.org/

12.-14.12.2018: Der dritte interdisziplinäre Workshop für NachwuchswissenschaftlerInnen der Forschungsplattform Elfriede Jelinek,

der in Kooperation mit der Forschungsgruppe THALIA der Vrije Universiteit Brussel und der Universiteit Gent stattfindet, bietet 15 Studierenden, Dissertantinnen, Postdocs und HabilitandInnen die Möglichkeit, ihre Arbeiten zu Elfriede Jelinek zu präsentieren und mit ExpertInnen, die als MentorInnen fungieren, zu diskutieren.
Im Plenum und in Kleingruppen werden die TeilnehmerInnen ihre Beiträge über Jelineks Werke im Kontext von Alterität, Xenophobie und kultureller Übersetzung – zu Fragen der Konstruktion, Ausgrenzung und Vernichtung von Fremdem und Anderem und zur gegenwärtigen Rezeption und Inszenierung ihrer Theaterstücke – im Austausch mit Internationalen PartnerInnen und Mitgliedern der Forschungsplattform Elfriede Jelinek und der Forschungsgruppe THALIA besprechen und weiterentwickeln.

45. INTERNATIONALE NESTROY-GESPRÄCHE 2019

2.–6. Juli 2019 in A-2320 Schwechat bei Wien (Justiz-Bildungszentrum, Schloss Altkettenhof)

„Sie, sagen Sie mir, ist das das Bierhaus, wo die Schauspieler nach dem Theater immer hingehn?“

(Johann Nestroy: Dreyßig Jahre aus dem Leben eines Lumpen II,2)
Theaterraum, Theaterbau, Theaterort des (Volks-)Theaters

Auf den ersten Blick hat das Thema der nächsten Nestroy-Gespräche mit ‚Äußerlichkeiten‘, visuell Wahrnehmbarem, zu tun: Raum, Bau, Ort. Jedoch sind alle diese Räume semantisiert, das heißt mit regional, historisch und kulturell unterschiedlicher Bedeutung und Funktion aufgeladen. Der Theaterraum (Bühne, Kulissen, Vorhang, Fundus, Zuschauerraum, Verwaltungsräume) hat für Regie, Schauspieler und Zuschauer eine besondere Funktion – von Emil Devrient hieß es z. B.: Er „besaß eine ungewöhnliche Fertigkeit, seine Stimme jedem Theaterraum anzupassen“.

Räume auf dem Theater werden nicht nur durch Sichtbares geschaffen, sondern auch durch Figuren und Worte und the mind’s eye: „Was seh ich! bin ich auf dem Blocksberg? Wer reit denn da durch die Luft? Ha, er selbst!“, sagt Zoraide bei Raimund, bevor der Zuschauer Quecksilber „auf einem großen Hahn zum Fenster“ hereinfliegen sieht.

Die realen Räume des Theaters hängen ab von der Art und Funktion des Theaterbaus (vgl. z. B. Hans Lange: Vom Tribunal zum Tempel: Zur Architektur und Geschichte deutscher Hoftheater zwischen Vormärz und Restauration) und der dort zu spielenden dramatischen Gattungen. Für das Volkstheater gibt es jedoch auch andere Spielstätten: „KLAUBER. Mir is so ein pfiffiger Harfenist lieber als das schönste Theater. BUCHFELLNER. Na ich glaubs, da kann man doch rauchen dabey.“ – heißt es in einer Wirtshausszene in Nestroys Die Papiere des Teufels.

Auch der Ort des Theaters – in einem Gebäude oder als Freilichttheater, in der Stadt oder auf dem Land, in Wien (Karl Kraus: „Das ist mein Wien, die Stadt der Lieder“) oder Berlin (Karl Kraus spricht „von dem Widerwillen, der mich beim Betreten eines Berliner Theaterraums erfaßt“), Brünn oder Binzau – bestimmt die Stückwahl, das Ensemble und seine Mobilität, prägt die Inszenierung und beeinflusst das Publikum – ganz dem Motto der Gespräche entsprechend: „Sie, sagen Sie mir, ist das das Bierhaus, wo die Schauspieler nach dem Theater immer hingehn?“

Beiträge zu interdisziplinären und komparatistischen Fragestellungen sind ebenso willkommen wie Funde und Forschungsberichte zum Gebiet des (Volks-)Theaters und der Komödie. Besonders erwünscht sind Projekte aus dem Bereich der Digital Humanities. Für weitere Informationen sei auf die Homepage des Internationalen Nestroy-Zentrums verwiesen: http://www.nestroy.at.

Vorschläge für Referate und Programmgestaltung werden für das Vorbereitungsteam – Walter Pape, Johann Sonnleitner und Ulrike Tanzer – bis zum 30. November 2018 erbeten an: Univ.-Prof. Dr. Ulrike Tanzer (Universität Innsbruck): ulrike.tanzer@uibk.ac.at.

Bei Angeboten für Referate (30 Minuten + 10 Minuten Diskussion) wird um ein Exposé im Umfang von einer Seite gebeten. – Referentinnen und Referenten erhalten voraussichtlich freie Unterkunft im Gästehaus des Justiz-Bildungszentrums. Die Entscheidung über die zum Vortrag kommenden Referate wird bis Anfang Jänner 2019 fallen.

Un/masking. On a mimetic form
6th Conference of the IDP Mimesis
4th – 6th July 2019, Zentralinstitut für Kunstgeschichte Munich and LMU Munich

Masks are an integral part of human cultural practice. Their innate tension springs from the mimetic faculty to show and conceal, to imitate and create. In this sense, masks display a structural analogy to the workings of mimesis. Not only have masks been a vital part of theatrical practices since antiquity, but they have also always played a crucial role in ritual as well as artistic or literary activities throughout the world. They have the power to create an aesthetic oscillation between truth and illusion that involves a mimetic interplay between identity, difference and appropriation.

In recent years, various artists and performers have been attracted to the object of the mask and the per­formative poten­tial that the act of masking and unmasking offers. Masks acquire meaning as important sym­bolic, political, or democratic tools in the work of artists such as Zach Blas, who created physical masks or Face Cages (2013–16), using the virtual grids superimposed on faces by facial recognition software. Masks have also become part of a culture of public protest and collective political participation. These instances signal a growing interest in the artistic, metaphorical, and critical value of un/masking in contemporary culture.

In the light of colonial and postcolonial history, any engagement with masks cannot fail to take into account the fact that Western reception of masks and similar artifacts is often problematic, as the example of Primi­tivism shows. The work of contemporary artists such as Romuald Hazoumé, who creates sculptures resem­bling traditional African masks through the use of discarded gasoline canisters, confronts the legacy of co­lonialism.

This conference takes the material object of the mask as well as the act of un/masking as starting points for a theoretical reflection on ambiguity and on mimetic practices. Through an interdisciplinary approach, we intend to connect different disciplines, theories and methods to open new perspectives on the various manifestations of masks. Our interest goes beyond the literal understanding of masks and includes meta­phorical usages of the term. In literature, for instance, masks can serve not only as a motif but also as a metaphor for authorship or for narrative forms, as exemplified by the work and life of William Butler Yeats or Luigi Pirandello. In creating an altered persona for the public, Yeats for instance circles around attraction and the supposed authenticity behind the masks, thus mirroring practices already used by Voltaire (François-Marie Arouet) or William Shakespeare.

Clothing and other forms of decorating, shaping or covering one’s body can also be seen as a form of masking. In all these instances, masks radically alter our sense of the self and touch topics such as original­ity, authenticity, visibility and concealment.

Thinking about masks in a broader sense allows for the inclusion of non-visual fields, such as music, where the concept of masking has been used to describe the variation of voice (in singing or electronic manipula­tion) as a form of ‘vocal’ masking.

In line with Lone Riisgaard and Bjørn Thomassen, this conference draws attention to the mask as a thresh­old that “brings into contact two distinct realities, subject/object, inside/outside, frame/message” (Riis­gaard and Thomassen 2016).

Contributions can be made on – but are not limited to – the following topics

• masks and un/masking in theater, ritual, and religious practice
• masks and un/masking as motif and technique in the visual arts
• masks and un/masking as topoi in literature; with regard to literary persona; and as a principle of nar­rative form
• masks and performance in the social sphere: practices of clothing and makeup (e.g. cross-dressing, drag)
• masks and political activism (e.g. Anonymous)
• masks and digital technologies: digital masking and appropriation (e.g. facial recognition soft­ware, digi­tal editing of the self)
• non-visual domains of the mask: masks and voice, music and ‘sound masking’
• masks and the carnivalesque, grotesque and subversive potential
• masks and (post)colonialism

Application

This international and interdisciplinary conference welcomes contributions from the fields of theater stud­ies, the visual arts, cultural studies, philosophy, literature, art history, or musicology and neighboring disci­plines.

Panel sessions will consist of individual talks (20 minutes) and will be followed by a discus­sion.

Please submit your abstract (max. 300 words) along with a short biography (max. 150 words) no later than the 1st of January 2019 to unmasking@lrz.uni-muenchen.de. Contributors will be informed about paper acceptance by early February 2019.

For further information, please visit

https://www.mimesis-doc.uni-muenchen.de/callforpapers/index.html

https://www.zikg.eu//

Conference Organization
Sebastian Althoff
Anna Baccanti
Johanna Spangenberg
Antonia Stichnoth

SUMMARY (excerpt only, full CFP below): “Die künstlerisch produktive Bernhard-Rezeption soll im Interessenfokus der internationalen Tagung stehen, die vom 25.09 bis 27.09.2019 im Düsseldorfer Goethe-Museum stattfinden wird. Erbeten werden Beiträge zu Bernhards Person und seinem Werk in der Literatur, aber auch in anderen Künsten und Medien wie dem Theater, dem Hörspiel, der Musik, dem Film, der bildenden Kunst und dem Comic.”

SUBMISSIONS: due 30. November 2018 via e-mail to Dr. Florian Trabert (trabert@phil.hhu.de) or Robin-M. Aust, M.A. (raust@phil.hhu.de)

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2019 wird sich der Tod von Thomas Bernhard zum dreißigsten Mal jähren. Dieses Gedenkjahr soll den Anlass bieten, die künstlerische Nachwirkung von Bernhards Leben und Werk umfassend zu untersuchen. Diese ist bereits zu Bernhards Lebzeiten, erst recht aber in den drei Jahrzehnten seit seinem Tod, zu einem gleichermaßen internationalen wie intermedialen Phänomen geworden. In seinem Roman Korrektur (1975) lässt Bernhard die Figur Roithammer klagen: »unsere Idee wird aufgegriffen und schamlos ausgenützt, das beobachten wir immer wieder, wie eine Idee aufgegriffen und schamlos ausgenützt wird dann von Hunderten von Nachmachern«. Bezogen auf die Rezeption des österreichischen Autors scheint diese Tirade nicht einmal eine Bernhard-typische Übertreibung darzustellen, wenngleich sie das produktive Moment der vielfältigen Rezeptionsphänomene unterschlägt. Diverse deutschsprachige Autoren wie Rainald Goetz, Norbert Gstrein, Elfriede Jelinek, Gert Jonke, Werner Kofler, W.G. Sebald, Birgit Vanderbeke oder Moritz von Uslar standen bereits – so der Titel eines Aufsatzes von Uwe Betz im Thomas Bernhard Jahrbuch 2005/06 – mit mal mehr, mal weniger eindeutiger Beweislage ›unter Bernhard-Verdacht‹.  Die internationale Dimension der Bernhard-Rezeption belegen Texte von Horacio Castellanos Moya, Matias Enard, John Fosse, William Gaddis, Gabriel Josipovici, Imre Kertész, Barbara Markovic, Yasmina Reza oder Gemma Salem.  Die Geschichte der intermedialen Bernhard-Rezeption setzt bereits mit den Vertonungen des späteren Klägers im Holzfällen-Skandal, Gerhard Lampersberg, ein und setzt sich mit Kompositionen und Improvisationen von beispielsweise Lukas Haselböck oder dem Upper Austrian Jazz Orchestra fort, während im Bereich der Comic-Adaptionen vor allem Nicolas Mahlers Graphic Novels zu nennen sind. Kurz: Der ›Kontinent Bernhard‹, den ein 1995 von Wolfram Bayer herausgegebener Sammelband vermessen hatte,  ist in den letzten Jahrzehnten zu einem Bernhard-Universum expandiert, dessen genauere Kartierung noch weitgehend ein Forschungsdesiderat darstellt.
Die künstlerisch produktive Bernhard-Rezeption soll im Interessenfokus der internationalen Tagung stehen, die vom 25.09 bis 27.09.2019 im Düsseldorfer Goethe-Museum stattfinden wird. Erbeten werden Beiträge zu Bernhards Person und seinem Werk in der Literatur, aber auch in anderen Künsten und Medien wie dem Theater, dem Hörspiel, der Musik, dem Film, der bildenden Kunst und dem Comic.

Denkbar sind u.a. die folgenden Themen:
– Die produktive Rezeption von Thomas Bernhards Werk in der Literatur, wobei das Spektrum von stilistischen Anleihen bis zu Parodien, Überarbeitungen und Übersetzungen reichen kann. Bei einigen Autoren, wie etwa Hermann Burger, W.G. Sebald oder Andreas Maier, wird der intertextuelle Bezug zudem durch eine essayistische, literaturkritische oder  wissenschaftliche Auseinandersetzung mit Bernhards Werk flankiert.
– Die Literarisierung von Bernhards Person in der Belletristik, die bereits in Bernhards eigenem Werk mit dem Dramolett Claus Peymann kauft sich eine Hose und geht mit mir essen (1990) einsetzt und beispielsweise mit Alexander Schimmelbuschs Roman Die Murau Identität (2014) fortgesetzt wurde.
– Bernhard-Übersetzungen, die aufgrund der stilistischen Eigenheiten des Autors die Übersetzer vor große Herausforderungen stellen und, wie das Beispiel des norwegischen Schriftstellers John Fosse zeigt, in literarischen Texten der Übersetzer eine produktive Wirkung entfalten können.
– Die theatrale und performative Rezeption von Bernhards Texten auf dem Theater, die sich in zunehmendem Maße nicht nur auf Bernhards Theaterstücke beschränkt, sondern auch auf Dramatisierungen von Prosatexten wie Alte Meister (1985) ausgreift, so dass durch den Gattungswechsel das produktive Moment hervortritt.
– Biographische und dokumentarische Darstellungen von Bernhards Person und seinen Lebensumständen, die aus den unterschiedlichsten Perspektiven von Freunden, Weggefährten und Nachbarn (z.B. Wieland und Erika Schmied, Karl Ignaz Hennetmair, Johann Maxwald) verfasst wurden und auch fotografische und filmische Portraits (z.B. von Sepp Dreissinger und Krista Fleischmann) einbeziehen.
– Die Bernhard-Rezeption in den unterschiedlichsten Künsten und Medien, die insbesondere vor dem Hintergrund der stark ausgeprägten Intermedialität von Bernhards Texten zu untersuchen wäre. Zu nennen sind beispielweise Nicolas Mahlers Graphic Novels Alte Meister (2011) oder Der Weltverbesserer (2014), aber auch Friedrich Cerhas Komposition Requiem für Hollensteiner (UA 1984, nach Gehen).

Dem interdisziplinären Fokus der Tagung entsprechend sind nicht nur germanistische Beiträge, sondern auch Beteiligungen aus benachbarten Philologien und Fächern wie der Theater- und Musikwissenschaft, den Medien- und Kulturwissenschaften sowie der Kunstgeschichte ausdrücklich willkommen. Besonders freuen wir uns, dass wir bereits im Vorfeld Frau Prof. Dr. Monika Schmitz-Emans und Dr. Martin Huber als Beiträger für unsere Tagung gewinnen konnten. Eine Publikation der Beiträge ist vorgesehen. Wir planen, Reise- und Unterbringungskosten zu übernehmen; hier stehen die Ergebnisse der Drittmitteleinwerbung noch aus.
Themenvorschläge in Form von Exposés im Umfang einer Seite für 25-minütige Vorträge sowie eine Kurzvita werden bis zum 30.11.2018 per Email erbeten an:

Dr. Florian Trabert (trabert@phil.hhu.de) oder
Robin-M. Aust, M.A. (raust@phil.hhu.de)